对话场景的正反打镜头

对话密集的场景会拖慢影视的节奏，而正反打镜头能将其拯救出来

什么是正／反打镜头？

在影视制作的头15年左右，正反打镜头还没有被当做一种风格策略来应用；那个时期流行的是所谓的人物场景造型风格，用一个单镜头来表现整个场景。到20世纪10年代后期，它已在美国长片中司空见惯。此后不久，正反打剪接为整个世界所采用。这样的镜头剪辑后会给观众一种影片的连续感，就好像是跟着真实的时间线发生的一样。那么该如何拍？

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

（卡萨布兰卡）

正反打镜头时，*少要用到两个摄影机。依照轴线原则，摄影机都在180度（虚）线的一边，每个摄影机对准一个演员。*常用的就是过肩镜头，提示角色的存在。

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

下一个镜头，可以转到另一个过肩镜头作为反应镜头，也可以让第二个演员的景别更小一点。通过使用至少两部摄影机来拍摄同一场表演，剪辑师可以自由地选择剪辑点，也让片子的观感更好。

下面几个案例是对正反打镜头的创造性使用

1.使用模拟光

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

《教父》的开场展示了正反打镜头的完美运用。导演科波拉和摄影戈登威利斯让影片开场笼罩在一片黑暗中。我们听到声音之后，包纳萨拉从黑暗中显现。当他继续说话的时候，镜头再缓慢拉回到过肩镜头交代了教父克里昂。这个变焦长镜头堪称完美，人物所处的空间和近景的教父逐渐显露出来，但仍然是背影，增加了悬念。

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

包纳萨拉靠近教父克里昂，在他的耳边低语。两个角色在黑暗中几乎充满了整个画框，这暗示了整个对话的本质。这个开场是个绝佳例子，关于如何运用正反打镜头去建立场景和整个影视的调性。

2.创造性地拍摄单人对话

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

在2002年版的《蜘蛛侠》，我们看到诺曼奥斯本与他的另一面绿魔对话。导演萨姆雷米和摄影唐布吉斯运用镜子这个道具去拍摄由一个演员完成的对话。场景始于奥斯本听到了声音，然后他在镜子里看到了自己绿魔侠向镜头走来。诺曼再向镜子前走，完成了一个过肩镜头。

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

摄影机缓慢推进到更小的景别。这样，观众就能意识到奥斯本不止是与自己对话，而是另一面的显现。

3.移动构图

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

在《黑暗骑士》的这个画面里，可以得到一个很简单的正／反打镜头。但这个镜头关键在于摄影机的移动。高登和小丑处在阴影之中，随着两人之间的对话越来越紧绷，镜头推进。但摄影机的运动很平滑，暗示着一切仍在控制之中。

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

一切随着蝙蝠侠的出现改变。一开始是标准的正反打镜头，但镜头开始变得晃动，暗示着开始失控。在镜头的*后一个部分，正反打镜头开始变为手持，变得更加不稳定。伴随着音乐扬起，强调了小丑已经开始全面影响蝙蝠侠。

4.不改变机位的前提下改变景别

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

《华尔街之狼》是个很疯的影视，这个场景非常具有代表性:乔丹贝尔福特和马克汉纳之间的会面。马丁斯科塞斯创造了一个经典的正反打镜头。他将角色放在镜头的两边，以保持对话的流畅。

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

但是斯科塞斯在拍摄时做了一些改变。在画面的开头，汉纳的镜头非常广，交代周围环境。然后汉纳向前倾斜，变为近景镜头，没有移动摄影机。这种方法能够保持背景的动作，同时让观众和贝尔福特一样保持在与汉纳相同的距离，保持对话的私密性。

5．有效地运用荷兰角

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

正反打镜头是一个让对话进行下去，并看起来很真实的传统手法，但有时候剧本需要打破常规，特别是在拍《碟中谍》这样的惊悚片。

【拍摄技巧】对话场景的正反打镜头

通过荷兰角，德帕尔玛反映了伊森亨特的感觉他发现一切是个局。这反映了这并非是影片的全知视角，而是亨特的主观视角。让这个正反打镜头更有力度的是，当Kittridge的角度变为正常之后，亨特仍然保持着荷兰角。这是越轴拍摄的很好例子，去捕捉角色的逐渐加剧的情绪和内心的挣扎。

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